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[김상래 기자]
<모나리자>가 걸린 전시실은 언제나 사람들로 가득해요. 가로 77cm, 세로 53cm밖에 안 되는 작은 그림을 보려고 수십 명이 한꺼번에 까치발을 들고 카메라를 꺼내죠. 그런데 왜 이렇게 유명할까요? 막상 눈앞에서 보면 생각보다 작고 특별한 것 없다는 생각에 "어? 이게 다야?" 하고 실망하는 사람도 많습니다.
통신연체신용카드 하지만 그림에 담긴 이야기를 알고 보면 특별함을 발견할 수 있는 작품이에요. 이 그림 속 주인공은 누구일까요? 'Mona Lisa'에서 '모나(Mona)'는 이탈리아어로 '마돈나(Madonna)'의 줄임말이에요. 우리말로 하면 '마님' '부인' 정도 되는 존칭이지요. '모나리자'는 곧 '리자 부인'이라는 뜻이에요.
그럼, 이 리자 부인 급여 식대 은 누구일까요? 르네상스 시대 예술가였던 조르조 바사리의 기록에 따르면, 그녀는 피렌체의 부유한 상인 프란체스코 델 조콘도(Francesco del Giocondo)의 아내, 리자 게라르디니(Lisa Gherardini)였다고 합니다.

미소가 만든 세계적 명성


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▲ 모나리자 Mona Lisa / La Gioconda 모나리자 (1503) Mona Lisa / La Gioconda 레오나르도 다 빈치 Leonardo 캐피탈신용대출상품 di ser Piero da Vinci, 1452-1519 53 x 77 cm 판넬에 유채 루브르 박물관 소장


ⓒ Leonardo da Vinci




그래서 이 작품의 이탈리아 이름이 < 신용8등급중고차전액할부 라 조콘다(La Gioconda)>인데요. 남편 성이 조콘도(Giocondo)로 이 단어가 이탈리아어로 '즐거운, 유쾌한'이라는 뜻도 있어요. <라 조콘다>는 '조콘도의 부인'이라는 뜻과 동시에 '유쾌한 여자, 웃는 여자'라는 의미를 함께 담고 있지요. 그림 속 여인이 은은하게 미소 짓고 있는 모습과 잘 어울리죠?

물론 이 인물이 누구인지에 대해서는 지금도 여러 가설이 있어요. 하지만 꼭 정답을 알아야 할 필요는 없습니다. 루브르박물관에서 <모나리자>를 마주할 때는 그 신비한 미소가 어떤 이야기를 건네는지 천천히 들어보면 되니까요.
<모나리자>는 상반신 초상입니다. 얼굴은 약간 왼쪽으로 돌려 우리를 바라보고 있어요. 장식 없이 수수한 옷차림에 어두운 색의 얇은 베일을 머리 위에서 어깨까지 자연스럽게 늘어뜨리고 있고, 왼쪽 어깨에 걸친 망토 안쪽으로 어두운 계열의 드레스를 입고 있습니다.
장신구를 하지 않아 시원스레 보이는 목선에서 기품 있고 당당한 본연의 모습이 느껴지죠. 이 그림을 특별하게 만드는 건 바로 그 미소예요. 웃는 듯하면서도 아닌 듯, 입꼬리가 살짝 올라간 미묘한 표정이죠. 왼쪽에서 보면 웃는 것 같고, 오른쪽에서 보면 조금 더 진지해 보입니다. 보는 사람의 위치에 따라 표정이 달라 보이는 거예요.
그녀는 의자에 앉아 손을 단정히 모으고 있는데, 마치 옛날 사진관에서 증명사진 찍을 때처럼 차분한 자세로 있습니다. 이제 배경을 한번 살펴볼까요? 안개가 낀 듯한 푸른 산, 구불구불 이어진 길, 그 끝으로 흐르는 강이 펼쳐져 있습니다. 어느 한 부분도 튀지 않고, 꿈속 풍경처럼 부드럽게 이어져 있지요.
레오나르도 다 빈치는 이 그림을 캔버스가 아니라 포플러 나무 판넬 위에 그렸습니다. 연필로 밑그림을 그리고 색을 칠한 게 아니라, 스푸마토(Sfumato) 기법이라는 방식을 썼어요. 여러 겹의 얇은 색을 겹겹이 쌓아 경계선을 흐릿하게 만들고, 자연스럽게 이어지도록 한 것이죠. 그래서 얼굴, 배경, 옷차림까지 모든 요소가 하나처럼 어우러져 보입니다.
여기에 제가 좋아하는 이야기를 하나 덧붙일게요. 프랑스 철학자 알랭 드 보통은 <영혼의 미술관>에서 우리나라의 달항아리를 두고 이렇게 말했어요.

'과도하게 특별한 존재로 생각해 달라고 요구하지 않는 지혜, 궁색한 것이 아니라 지금에 만족할 뿐.'


이 말은 <모나리자>에도 잘 어울린다고 생각해요. 꾸미지 않아 더 고요하고, 조용히 자기 자리를 지키는 아름다움. 겉은 소박하지만, 그 안에 담긴 이야기는 끝없이 깊은 작품이라는 거죠.

눈썹의 비밀, 스푸마토 기법
모나리자를 볼 때 꼭 한 번쯤 눈길이 가는 부분이 있어요. 바로 눈썹입니다. "어? 눈썹이 없네?" 하고 의아해하는 분들이 많지요. 그래서 이 눈썹에 대해서도 여러 가지 이야기가 전해집니다.
첫 번째는 모나리자가 살던 르네상스 시대에 여성들이 눈썹을 미는 게 유행이었다는 거예요. 그래서 모델인 리자 게라르디니도 눈썹이 없었다는 주장이지요. 두 번째는 이 그림이 다 완성되지 못한 미완성 작품이라 눈썹이 그려지지 않았다는 설명이에요. 세 번째는 다 빈치가 사용한 기법과 관련이 있습니다. 스푸마토(sfumato)라는 아주 섬세한 기법 때문에 시간이 지나면서 눈썹이 자연스럽게 사라졌다는 겁니다. 자, 여러분은 몇 번째 이야기에 더 마음이 가나요? 사실 세 번째가 가장 신빙성이 있어 보이죠.
'스푸마토'라는 말은 이탈리아어 '스푸마레(sfumare)' 즉 '연기처럼 사라지다'라는 뜻에서 왔어요. 연기 속에서 사물이 뿌옇게 보이는 것처럼 색과 선의 경계를 흐리게 만드는 기법입니다. 다 빈치는 캔버스 위에 수십 겹의 얇은 색을 덧칠하거나 때로는 손가락으로 문질러 경계를 부드럽게 처리했어요.
모나리자를 보면 인물과 배경이 하나로 어우러지며 몽환적이고 신비로운 느낌을 주는 이유이지요. 실제로 과학자들은 이 그림에 수없이 많은 다 빈치의 지문 흔적이 남아 있다고도 말합니다.모나리자를 둘러싼 수수께끼는 눈썹 뿐만이 아니에요. 역시 가장 큰 의문은 그 미소입니다. 흐릿하게 묘사된 눈매, 살짝 올라간 듯 아닌 듯한 입꼬리. 정말 웃고 있는 걸까요, 아니면 진지한 걸까요?
영국 옥스퍼드 대학의 미술사학자 마틴 켐프(Martin Kemp)는 이렇게 설명합니다. 다 빈치는 해부학과 광학, 그리고 감정 표현에 깊은 관심을 가진 천재였다고요. 그러니까 모나리자의 미소는 과학적으로 계산된 '트릭' 같은 거예요. 보는 각도에 따라 웃는 것 같기도 하고, 금세 진지해 보이기도 하죠. 그래서 같은 사람이 보더라도 순간 순간 다르게 느껴지는 거예요.
<모나리자>가 특별한 이유 중 하나는 바로 '표정'이에요. <모나리자> 이전의 초상화에서는 웃거나 우는 감정을 찾아보기 힘듭니다. 중세나 초기 르네상스 시대 초상화의 주된 목적은 '권위와 이상'을 드러내는 것이었거든요. 그래서 대부분 무표정한 얼굴로 그려졌습니다. 예를 들어 얀 반 에이크의 <아르놀피니 부부의 초상(1434)>, 피에로 델라 프란체스카의 <우르비노 공작과 공작부인(1472경)> 같은 작품에서도 감정보다는 신분과 권위가 강조되지요. 그런데 <모나리자>는 달랐습니다. 은은한 미소 하나로 '인간의 섬세한 감정'을 담아냈으니까요.
레오나르도 다 빈치는 평생 수많은 노트를 남겼어요. 거기에는 해부학, 기계 설계 뿐 아니라 그림에 대한 생각도 아주 꼼꼼히 적혀 있습니다. 그가 남긴 글 가운데 후대에 모아 엮은 책이 바로<회화론(Trattato della Pittura)>이에요.
이 책에서 다 빈치는 어떻게 하면 그림을 더 진짜처럼 보이게 할 수 있을지 깊이 연구했습니다. 그중 하나가 바로 대기 원근법이에요. 쉽게 말하면 멀리 있는 사물은 가까이 있는 것보다 흐릿하고 색이 옅게 보이는 현상을 그림 속에 반영하는 거예요. 우리가 실제로 먼 산을 바라볼 때, 가까운 산은 진하게 보이고 먼 산일수록 연해지고 경계가 흐려지잖아요?
다 빈치는 이런 자연의 법칙을 그림 속에 그대로 옮겨놓은 겁니다. <모나리자> 배경의 안개 낀 산과 강이 바로 그런 예지요. 이런 다 빈치의 개념은 나중에 루벤스, 윌리엄 터너 같은 화가들에게까지 이어지게 됩니다.

그림 한 점의 힘










▲ 명화 보기, '유명하다'는 사실만으로는 다가가기 힘들다. 


ⓒ hoangdat302 on Unsplash




물론 <모나리자>가 세계에서 가장 유명한 그림이라는 건 부정할 수 없는 사실이에요. 하지만 '유명하다'는 사실만으로는 다가가기 어렵습니다. 그럴 땐 한 발 물러서서 스스로에게 질문을 던져 보는 것도 좋아요.

혹시<모나리자>를 보면서 뭐든지 다 용서해 줄 것만 같은 엄마의 얼굴이 떠오르진 않나요? 온화한 미소, 다소곳이 포개진 두 손, 언제라도 안아줄 것 같은 넉넉한 마음 말이에요. 세상이 모두 나를 몰라줘도 있는 그대로의 나를 감싸주는 엄마처럼요. 저 역시 이 그림 앞에서 '아이에게 그런 엄마가 되고 싶다'는 마음을 품곤 합니다. 그림 한 점이 사람의 마음을 이렇게 바꾸고 좋은 다짐을 하게 만들 수 있다는 건 참 놀라운 일이에요.
여러분은 <모나리자>를 보면서 어떤 생각이 드셨나요? 저처럼 엄마의 얼굴을 떠올렸을 수도 있고 혹은 아무런 감흥이 없었을 수도 있습니다. 하지만 그것도 괜찮습니다. '모두가 좋다니까 나도 좋아해야 하나?'라는 생각이 드는 순간, 이미 그림과의 대화가 시작된 거예요. 결국 중요한 건 '내가 어떻게 느꼈는가'입니다. 아무 느낌이 없다면, 그것 역시 솔직한 내 감정이지요. 그림 앞에 선 나와 그림 속 인물. 우리는 그렇게 서로를 조금씩 알아가고 있는 중일지도 모릅니다.
덧붙이는 글